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¿Quién es el artista detrás de esta pintura popular?

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Wikipedia dice que es una postal alemana fechada en 1900. Pero no dice nada sobre el artista.

¿Alguien sabe sobre el artista detrás de este trabajo?


El autor desconoce si los bienes comunes de wikimedia del archivo son algo que se pueda seguir, pero profundizar un poco más utilizando la búsqueda de imágenes de Google parece atribuir el original a un pintor llamado Lindberg, a H Zabatari / Hans Zatzka y posiblemente a otros.

Tenga cuidado de que las fuentes puedan reflejar rumores sin verificar o, como esta respuesta, buscar en Google. Dicho esto, H Zabatari / Hans Zatzka parece una mejor apuesta basada en esta fuente de aspecto un poco más creíble y mejor investigada (una página de subasta para un original):

The Guardian (c. 1918) fue pintado por H. Zabateri como una postal (¿Austria?). Las postales originales con el nombre del artista (crédito) se pueden comprar a los coleccionistas. Varias impresiones de esta pintura se han atribuido a "Lindberg". Lindberg copió la pintura original y usó colores más brillantes, cambios de detalles y figuras más simples.


La historia detrás de Banksy

Cuando Tiempo revista seleccionó al artista británico Banksy & # 8212 maestro del graffiti, pintor, activista, cineasta y polivalente provocador& # 8212para su lista de las 100 personas más influyentes del mundo & # 8217 en 2010, se encontró en compañía de Barack Obama, Steve Jobs y Lady Gaga. Proporcionó una foto de sí mismo con una bolsa de papel (reciclable, naturalmente) sobre su cabeza. La mayoría de sus fans realmente no quieren saber quién es (y han protestado en voz alta por los intentos de Fleet Street por desenmascararlo). Pero sí quieren seguir su trayectoria ascendente desde la fumigación fuera de la ley & # 8212 o, como dice el argot, & # 8220bombing & # 8221 & # 8212walls en Bristol, Inglaterra, durante la década de 1990 hasta el artista cuyo trabajo cuesta cientos de miles de dólares. en las casas de subastas de Gran Bretaña y América. Hoy, ha bombardeado ciudades desde Viena a San Francisco, de Barcelona a París y Detroit. Y ha pasado del grafiti en muros urbanos arenosos a la pintura sobre lienzo, la escultura conceptual e incluso el cine, con el documental engañoso Salida a través de la tienda de regalos, que fue nominada a un premio de la Academia.

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Pest Control, la organización con un título irónico creada por el artista para autenticar la obra de arte real de Banksy, también lo protege de los forasteros entrometidos. Escondido detrás de una bolsa de papel o, más comúnmente, de un correo electrónico, Banksy controla implacablemente su propia narrativa. Su última entrevista personal tuvo lugar en 2003.

Si bien puede refugiarse detrás de una identidad oculta, aboga por una conexión directa entre un artista y su electorado. & # 8220Hay & # 8217s una audiencia completamente nueva, y & # 8217s nunca ha sido más fácil de vender [one & # 8217s art], & # 8221 Banksy ha mantenido. & # 8220No & # 8217t tienes que ir a la universidad, arrastrar & # 8217 alrededor de un portafolio, enviar transparencias por correo a galerías presumidas o dormir con alguien poderoso, todo lo que necesitas ahora son algunas ideas y una conexión de banda ancha. Es la primera vez que el mundo del arte esencialmente burgués pertenece al pueblo. Tenemos que hacer que cuente. & # 8221

El distrito de Barton Hill de Bristol en la década de 1980 era una parte aterradora de la ciudad. Muy blancos & # 8212 probablemente no más de tres familias negras habían terminado de alguna manera allí & # 8212 de clase trabajadora, deterioradas y poco acogedoras con los extraños. Entonces, cuando Banksy, que venía de una parte mucho más frondosa de la ciudad, decidió ir a hacer su primera incursión allí, se puso nervioso. & # 8220Mi papá fue brutalmente golpeado cuando era niño & # 8221, le dijo a su colega artista de graffiti y autor Felix Braun. En ese momento estaba probando nombres, a veces firmando a sí mismo como Robin Banx, aunque esto pronto se convirtió en Banksy. El apodo abreviado puede haber demostrado menos de los gángsters & # 8217 & # 8220robando bancos & # 8221 cachet, pero era más memorable & # 8212 y más fácil de escribir en una pared.

Alrededor de este tiempo, también se decidió por su enfoque distintivo de estarcido para el graffiti. Cuando tenía 18, escribió una vez, estaba pintando un tren con una pandilla de compañeros cuando apareció la Policía de Transporte Británica y todos corrieron. & # 8220 El resto de mis compañeros llegaron al coche & # 8221 Banksy recordó, & # 8220 y desapareció, así que pasé más de una hora escondido debajo de un camión volquete con el aceite de motor goteando por todas partes. Mientras escuchaba a la policía en las vías, me di cuenta de que tenía que reducir mi tiempo de pintura a la mitad o dejarlo por completo. Estaba mirando fijamente la placa estampada en la parte inferior del tanque de combustible cuando me di cuenta de que podía copiar ese estilo y hacer cada letra de tres pies de alto. & # 8221 Pero también le dijo a su amigo, el autor Tristan Manco: & # 8220As Tan pronto como corté mi primera plantilla, pude sentir el poder allí. También me gusta la ventaja política. Todos los grafitis son disensiones de bajo nivel, pero las plantillas tienen una historia adicional. Se han utilizado para iniciar revoluciones y detener guerras. & # 8221


Las obras maestras olvidadas son raras

En primer lugar, para ser absolutamente claro, encontrar una obra maestra olvidada es extremadamente raro. Escucharás historias sobre una pieza de Salvador Dali, Vincent Van Gogh o Alexander Calder que se encuentra en una tienda de segunda mano. Si eres fanático del "Antiques Roadshow" de PBS, sabes que algunos tesoros familiares olvidados pueden valer cantidades sorprendentes de dinero en efectivo. Éstos no son la norma.

Eso no quiere decir que no debas estar atento a esa joya escondida. Es muy divertido explorar gangas y ver si puedes encontrar una, pero no cuentes con que cada pintura polvorienta sea valiosa.


Chica con un pendiente de perla

Johannes Vermeer, & # 8220 Chica con un pendiente de perla, & # 8221 ca. 1665 (Foto: Mauritshuits vía Wiki Art Public Domain)

En 1665, el artista holandés Johannes Vermeer creó su obra de arte más conocida: Chica con un pendiente de perla. Varios historiadores del arte han cuestionado la verdadera identidad de la joven representada en el cuadro. Una de las teorías más comunes es que la mujer en cuestión es María Vermeer, la hija mayor del pintor. Sin embargo, todavía hay varios estudiosos que dudan de esto, y aunque esta pintura al óleo a menudo se considera uno de los retratos más importantes, técnicamente no es un retrato en absoluto.

Chica con un pendiente de perla es en realidad un tronie& mdasha estudio de una persona no identificada. Las tronías fueron particularmente populares durante la Edad de Oro holandesa, cuando artistas como Vermeer y Rembrandt comenzaron a adoptar sujetos sin nombre para sus & # 8220portraits & # 8221. .

Chica con un pendiente de perla es un excelente ejemplo de esta tradición, ya que retrata a una niña desconocida vestida con lujosas prendas. & # 8220Como una visión que emana de la oscuridad, no pertenece a ningún momento o lugar específico, & # 8221, afirman los historiadores del arte Arthur K. Wheelock y Ben Broos en un catálogo de exposición. & # 8220Su exótico turbante, que envuelve su cabeza en azul cristalino, está coronado por una llamativa tela amarilla que cae dramáticamente detrás de su hombro, dando un aire de misterio a la imagen. & # 8221

Tronías de Rembrandt en el Museo Metropolitano de Arte


Otros pintores han pintado retratos de personas que han amado y perdido. El pintor holandés Rembrandt van Rijn (1606-1669) fue uno de los que sufrió muchas pérdidas. Según Ginger Levit en "Rembrandt: Painter of Grief and Joy",

Fue la mejor época de la Holanda del siglo XVII, conocida como la Edad de Oro holandesa. La economía prosperaba y los comerciantes adinerados estaban construyendo mansiones a lo largo de los canales de Ámsterdam, instalando muebles y pinturas de lujo. Pero para Rembrandt van Rijn (1606-1669), se convirtió en el peor de los tiempos: su hermosa, amada y joven esposa Saskia murió a los 30 años, al igual que sus tres bebés. Solo sobrevivió su hijo Titus, que luego se convirtió en su comerciante.

Después de eso, Rembrandt continuó perdiendo a las personas que amaba. La plaga de 1663 se llevó a su amada amante, y luego Titus también fue tomado por una plaga a la temprana edad de 27 años en 1668. El mismo Rembrandt murió solo un año después. Durante esta época oscura de su vida, Rembrandt continuó pintando lo que era más personal para él, no cumpliendo con las expectativas del día, canalizando su sufrimiento y dolor en pinturas poderosas y evocadoras.

Según Neil Strauss en su artículo del New York Times "La expresión del dolor y el poder del arte",

En el arte de Rembrandt, el dolor es una emoción secular y espiritual. En las docenas de autorretratos que pintó durante casi medio siglo, la tristeza se desarrolla como un dolor de lágrimas reprimidas. Para este hombre, que perdió a las personas que más amaba, el luto no era un evento, era un estado de ánimo, siempre ahí, avanzando, retrocediendo, siempre creciendo, como las sombras que se mueven por el rostro envejecido del artista.

Continúa diciendo que durante siglos el arte occidental ha representado la emoción humana del dolor, desde las pinturas de jarrones de la Grecia clásica hasta las pinturas religiosas del cristianismo, "que tiene la tragedia en su esencia".


& aposGolden Rule, & apos 1961

& quot; Regla de oro & quot; 1961. Óleo sobre lienzo, 44 ​​& # xBD & quot x 39 & # xBD & quot. Ilustración de portada para & quotThe Saturday Evening Post & quot, 1 de abril de 1961. & # XA0

Foto: Colecciones del Museo Norman Rockwell. & # xA9SEPS: Curtis Publishing, Indianápolis, IN

En la década de 1960, el estado de ánimo en Estados Unidos estaba cambiando. Una vez restringido de mostrar minorías en la portada de la Correo, Norman Rockwell & # x2019s 1961 pintura, regla de oro contó con una reunión de hombres, mujeres y niños de diferentes razas, religiones y etnias, con la frase simple pero universal: & # x201CDo a los demás como te gustaría que te hicieran a ti. & # x201D En 1985, Rockwell & # x2019s icónico La ilustración fue reinventado como un mosaico gigante y regalado a las Naciones Unidas en nombre de los Estados Unidos por la Primera Dama Nancy Reagan & # x2014 y ha permanecido en exhibición, desde ese momento, en la sede de la ciudad de Nueva York de la ONU & # x2019. & # xA0.

Casualmente, regla de oro comenzó su vida como un dibujo inspirado en la misión humanitaria de la ONU. Concebida en 1952 y ejecutada en 1953, la ilustración original mostraba a 65 personas que representaban a las naciones del mundo y de la década de 2019, rodeando a miembros clave del Consejo de Seguridad de la ONU (URSS, Reino Unido y EE. UU.). La idea era expresar esperanza en la nueva organización de mantenimiento de la paz, y Rockwell llevó a cabo una extensa investigación, incluida la fotografía de los diplomáticos y modelos en la foto. Después de completar el dibujo, el artista perdió la fe y abandonó el proyecto, sintiendo que estaba fuera de su alcance. Después de mudarse a Stockbridge, Massachusetts, Rockwell revisó la idea una década después, quitando a los diplomáticos y enfocándose en la idea de humanidad común, para crear uno de sus retratos más perdurables.


Los gráficos de televisión, hip-hop y videojuegos lo inspiraron

Con su reputación ya disparada, su primera exposición individual en Estados Unidos, en la Galería Annina Nosei de Nueva York, la primavera siguiente, agotó las entradas en su noche de apertura, lo que le valió a Basquiat 250.000 dólares. Durante ese mismo año crucial de 1982, Basquiat ejecutó Dustheads, que se vendió en una subasta en 2013 por un récord de 48,8 millones de dólares.

Dustheads de Basquiat estableció un récord cuando se vendió en una subasta en 2013 por $ 48,8 millones (Crédito: EPA / Alamy)

En los meses y años posteriores a su debut en Estados Unidos, Basquiat demostró ser extraordinariamente prolífico, construyendo una obra de alrededor de 1,000 pinturas, así como más de 2,000 dibujos, todos interpretados en su estilo inimitablemente enérgico, feroz pero infantil. En su obra abundan las referencias a la cultura popular y la calle. La televisión, el hip hop y los gráficos rudimentarios de los primeros videojuegos arcade lo inspiraron, y sus pinturas contienen hombres de palo y varios símbolos, como una corona omnipresente, que funciona como la etiqueta de un grafitero.


¿Cuándo comenzó el neoimpresionismo?

El artista francés Georges Seurat introdujo el neoimpresionismo. Su pintura de 1883 Bañistas en Asnieres presenta el estilo. Seurat estudió las publicaciones sobre teoría del color producidas por Charles Blanc, Michel Eugène Chevreul y Ogden Rood. También formuló una aplicación precisa de puntos pintados que se mezclarían ópticamente para obtener el máximo brillo. Llamó a este sistema cromoluminarismo.

El crítico de arte belga Félix Fénéon describió la aplicación sistemática de la pintura por parte de Seurat en su reseña de la Octava Exposición Impresionista en La Vogue en junio de 1886. Amplió el contenido de este artículo en su libro Les Impressionistes en 1886, y de ese librito su palabra néo-impresionismo despegó como un nombre para Seurat y sus seguidores.


La historia detrás de la pintura: Washington cruzando el Delaware

En el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York, la pintura Washington cruzando el Delaware cuelga en la Galería 760. Es un conocido óleo sobre lienzo del cruce del río Delaware por parte de George Washington en la noche de Navidad de 1776 para atacar a los hessianos en Trenton, Nueva Jersey durante la Revolución Americana. No solo representa al futuro primer presidente de Estados Unidos, sino que también presenta al futuro quinto presidente, James Monroe.

Una de las pinturas más famosas de la Revolución Americana, fue pintado en Düsseldorf en 1851 por Emanuel Gottlieb Leutze, un alemán que creció en los Estados Unidos pero regresó a Alemania como adulto. Nacido 40 años después de la Batalla de Trenton, Leutze había esperado que el espíritu de la Revolución motivara a los revolucionarios liberales europeos en 1848. Sin embargo, se equivocó en algunas cosas.

Washington cruzando el Delaware por Emanuel Leutze, en el Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, NY. Foto de Adavyd CC BY SA 3.0

En Purdue Today, David Parrish, profesor de historia del arte, dice que la bandera que sostenía Monroe no existió hasta aproximadamente un año después de la batalla. El barco en la pintura era de un tipo incorrecto, y Washington debería haber sido pintado como un hombre más joven. Además, aunque se ve especialmente noble, Washington sabía lo suficiente como para no pararse en un bote de remos. Eso lo dejaremos en manos de una licencia poética.

Muchos historiadores no creen que Monroe cruzó Delaware con Washington, pero ciertamente luchó en Trenton y recibió una bala en el hombro que le quedó por el resto de su vida.

Retrato de la Casa Blanca de James Monroe, 1819

Los otros ocupantes del barco representan los diferentes estilos de vida de los colonos estadounidenses, incluidos los cazadores de pieles canadienses franceses, un africano, un escocés, agricultores y una figura de la parte occidental del país. Algunos creen que la figura del abrigo rojo y el pañuelo negro puede representar a las mujeres que lucharon y murieron por la libertad.

El sitio web del Museo Metropolitano de Arte nos dice que Leutze comenzó la pintura en 1849 pero fue dañada por un incendio en 1850. El artista reparó el daño y la pintura fue adquirida por Bremen Kunsthalle, un museo de arte en Bremen, Alemania. Esa pintura fue destruida en 1942 durante un bombardeo de la Segunda Guerra Mundial por parte de las fuerzas británicas.

Washington cruzando el Delaware (1849-1850), pintura original de Emanuel Leutze

Afortunadamente, Leutze había creado una copia de la pintura poco después de la primera, y David Parrish informa que la pintura fue enviada a la ciudad de Nueva York en el otoño de 1851, donde miles acudieron a su exhibición en una galería de Nueva York y en la Rotonda del Capitolio de EE. UU. en Washington DC. La pintura se encuentra ahora en exhibición permanente en el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York.

Otras copias autorizadas se exhiben en la Universidad de Perdue, en Washington Crossing Historic Park y en la Casa Blanca. El cruce de Delaware también fue capturado en otras pinturas de artistas como George Caleb Bingham, un artista fronterizo estadounidense que trabajó a mediados del siglo XIX y era amigo de Leutze Thomas Sully, un artista estadounidense nacido en Inglaterra que trabajó a principios del siglo XIX, y Currier e Ives, que realizaron una litografía de la escena pintada por Leutze. La pintura de Leutze también está representada en el barrio del estado de Nueva Jersey.

Washington cruzando el Delaware por Emanuel Leutze (recortado), MMA-NYC

Como siempre, han surgido parodias. Una parodia muestra la pintura de Leutze & # 8217 recreada, pero todas las figuras tienen cabezas de pollo, mientras que otra muestra a Washington y sus compañeros de barco navegando en un hot dog. Hay otros con Homer Simpson tomando el lugar de George Washington y los Muppets tomando el lugar de todos los hombres.

Emanuel Leutze, pintor germanoamericano.

Dejando de lado las parodias, Washington cruzando el Delaware es una pintura impresionante vista por miles cada año. La pintura también fue recreada para una estatua de piedra caliza en el lugar donde Washington aterrizó en Nueva Jersey, el Washington Crossing Historic Park de 500 acres. Frank Arena, un trabajador de piedra caliza jubilado, talló la estatua y los trabajadores colocaron cada figura tallada individualmente en el bote.

Según Washington Crossing Historic Park, un trabajador también colocó una pequeña bandera estadounidense, un barrio del estado de Nueva Jersey y una nota con los nombres de los trabajadores que ayudaron a armar la estatua debajo de una de las figuras.


Mire una pintura de Peeters y no se le recuerda la mortalidad, se le recuerda que tiene hambre.

Ignorando el alto idealismo de Rubens, que dominaba la escena artística de Amberes, Peeters optó por pintar en el nuevo estilo realista que fue ganando gradualmente influencia en toda Europa. "Y si estás pintando en modo realista en Amberes, realmente estás siendo muy diferente a todos los demás que trabajan allí", dice Vergara. Mientras que la pintura de bodegones anteriores había sido en gran parte alegórica, el trabajo de Peeters se caracteriza por una forma y textura precisas en las que los recipientes brillantes y los alimentos contrastan elegantemente con fondos oscuros sin adornos. Mire una pintura de ella y no se le recuerda la mortalidad, se le recuerda que tiene hambre.

Se cree que el tema de esta Vanitas de alrededor de 1610 es la propia Peeters, por lo que es un autorretrato (Crédito: Prado)

“Sabemos que los principales coleccionistas de la época tenían cuadros de ella”, dice Vergara. Pero más allá de eso, los detalles de su vida siguen siendo un misterio. Quizás podamos obtener algunas pistas sobre su personalidad a partir de los numerosos autorretratos en miniatura reflejados en las copas y copas doradas de sus pinturas. Esta fue otra innovación que ningún pintor de bodegones había pensado anteriormente en representarse de esta manera. Vergara lo ve como una proclamación discreta pero asertiva de su mérito, no solo de pintora, sino también de mujer pintora. "¿Cómo no leer en eso cierta voluntad de ser reconocido?" Quizás ahora lo esté.

Retrato de una dama

A diferencia de Peeters, la vida de Louise Elisabeth Vigée Le Brun está bien documentada. Fue la retratista más exitosa y cara del siglo XVIII, sin embargo, cuando se inauguró la retrospectiva de su trabajo en el Grand Palais de París en 2015, pocos fuera de la academia habían escuchado su nombre.

Una artista precozmente talentosa conocida por su ingenio y belleza, Le Brun había establecido un estudio de retratos cuando aún era una adolescente. A los 23 años pintó el primero de muchos retratos de María Antonieta, cuya intervención directa finalmente le permitió ingresar a la Académie Royale, de la que anteriormente había sido excluida debido a su matrimonio con Charles Le Brun, un marchante de arte. Reconocida por su exquisito tratamiento del color, la tela y la textura, también pudo “capturar una imagen como nadie”, dice el curador de la exposición de París, Joseph Baillio.

Vigée Le Brun pintó su Autorretrato con sombrero de paja en 1782 después de encontrarse con la obra de Rubens en Amberes en una gira por Flandes (Crédito: Wikipedia)

Tal éxito inevitablemente causó envidia entre sus compañeros masculinos. “Debe haber sido irritante ver que una mujer ganaba más dinero que ellos”, dice Baillio. Cuando exhibió su espectacular retrato del conde de Calonne en el salón de 1785 hubo rumores de que debía haber sido pintado por un hombre. Sus conexiones reales la obligaron a huir de Francia durante la revolución y pasó los siguientes 12 años pintando lo grande y lo bueno de Europa, incluido un hechizo de seis años en la corte de Catalina la Grande en San Petersburgo, antes de regresar a Francia para vivir. en extraordinario esplendor hasta los 86 años.


Frida Kahlo & aposs matrimonio con Diego Rivera

En 1929, Kahlo y el famoso muralista mexicano Diego Rivera se casaron. Kahlo y Rivera se conocieron por primera vez en 1922 cuando él fue a trabajar en un proyecto en su escuela secundaria. Kahlo veía a menudo como Rivera creaba un mural llamado La creación en la sala de conferencias de la escuela & # x2019s. Según algunos informes, le dijo a una amiga que algún día tendría el bebé de Rivera.

Kahlo se reconectó con Rivera en 1928. Él alentó su obra de arte y los dos comenzaron una relación. Durante sus primeros años juntos, Kahlo a menudo siguió a Rivera en función de dónde estaban las comisiones que Rivera recibió. En 1930 vivían en San Francisco, California. Luego fueron a la ciudad de Nueva York para la exposición de Rivera & # x2019 en el Museo de Arte Moderno y luego se mudaron a Detroit para la comisión de Rivera & # x2019 con el Instituto de Artes de Detroit.

El tiempo de Kahlo y Rivera en la ciudad de Nueva York en 1933 estuvo rodeado de controversia. Por encargo de Nelson Rockefeller, Rivera creó un mural titulado Hombre en la encrucijada & # xA0en el edificio RCA del Rockefeller Center. Rockefeller detuvo el trabajo en el proyecto después de que Rivera incluyó un retrato del líder comunista Vladimir Lenin en el mural, que luego fue pintado. Meses después de este incidente, la pareja regresó a México y se fue a vivir a San Ángel, México.

Nunca una unión tradicional, Kahlo y Rivera se mantuvieron separados, pero casas y estudios contiguos en San Ángel. Ella se entristeció por sus muchas infidelidades, incluida una aventura con su hermana Cristina. En respuesta a esta traición familiar, Kahlo se cortó la mayor parte de su característico cabello largo y oscuro. Deseando desesperadamente tener un hijo, volvió a experimentar la angustia cuando sufrió un aborto espontáneo en 1934.

Kahlo y Rivera pasaron por períodos de separación, pero se unieron para ayudar al exiliado comunista soviético Leon Trotsky y su esposa Natalia en 1937. Los Trotsky vinieron a quedarse con ellos en la Casa Azul (hogar de la infancia de Kahlo & aposs) por un tiempo en 1937 como Trotsky había recibido asilo en México. Una vez rival del líder soviético Joseph Stalin, Trotsky temía ser asesinado por su antigua némesis. Según los informes, Kahlo y Trotsky tuvieron una breve aventura durante este tiempo.



Comentarios:

  1. Thour

    Tu frase simplemente excelente

  2. Zurg

    En ella algo es. les agradezco la ayuda como puedo agradecer?

  3. Standish

    Es una pena que no pueda hablar ahora, tengo prisa por llegar al trabajo. Pero seré liberado, definitivamente escribiré lo que pienso sobre esta pregunta.

  4. Goltikus

    Su frase es magnífica

  5. Zolorn

    Bastante buen tema

  6. Zuramar

    Si, es exacto

  7. Metaur

    Considero, que estás equivocado. Puedo probarlo. Escríbeme por MP.



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